Desde Austria, llega nueva exposición a Casa Nueve

There Are No Kangaroos In Austria estará disponible hasta el 1° de agosto

* La muestra es una colaboración con la galería Improper Walls de Viena * En 2016, será el turno del espacio cultural cholulteca de montar obra mexicana en la capital de los valses

Directo desde Austria, Casa Nueve presenta hasta el 1° de agosto próximo There Are No Kangaroos In Austria, muestra organizada en colaboración con la galería Improper Walls, con sede en Viena, y a la cual pertenece la artista mexicana Alejandra Zapata.

La exposición conjunta más de 20 obras de seis jóvenes talentos austriacos, residentes todos de la capital europea, y los cuales se dedican a la creación de obra gráfica e ilustración. Sus nombres, Benjammin Hammerschick, Boicut, Markus Tozzer, Nita, Peter Phobia y Sabine Galdberger.

La mencionada muestra representa la primera vez que Improper Walls sale de Austria, así como la primera colaboración con Casa Nueve, espacio cultural ubicado en San Andrés Cholula (2 Norte 1205-A) y con el cual ya hay planes para realizar una segunda exhibición en 2016 en Viena y con obra de artistas mexicanos.

Durante la inauguración el pasado sábado 11 de julio, Zapata, egresada de la institución poblana UNARTE, destacó que el trabajo con Casa Nueve fue posible gracias a la filosofía que comparten de abordar el arte como algo cotidiano y accesible a todo el público. Por lo mismo, los precios de las piezas van de los 140 pesos en adelante para favorecer que la obra llegue a un rango amplio de personas.

Cabe destacar que, debido a las políticas de Improper Walls, el cien por ciento del dinero de la venta va destinado a los artistas, misma dinámica que imperará durante la segunda parte de la colaboración con Casa Nueve.

El título que se traduce como “en Austria no hay canguros”, obedece a una “broma local” de la galería vienesa: cuando Zapata empezó sus planes para mudarse a Austria, la gente con la que platicaba lo confundía con Australia, país de donde, efectivamente, son originarios los marsupiales.

There Are No Kangaroos In Austria está abierta de lunes a sábado de 2 de la tarde a 12 de la noche, con entrada libre. Para contactar a Casa Nueve el número telefónico es (222) 1.78.22.69 y el correo electrónico contacto@casanueve.mx.

Información sobre los artistas

Benjammin Hammerschick: “Soy un diseñador gráfico y resido en Viena. Era aún joven cuando encontré mi pasión: la música. Siendo influenciado por el gusto oscuro de mis padres, encuentro mi inspiración en la música electrónica experimental. Aparte de eso, películas distópicas y temas como los valores que se transforman dentro de la sociedad, me brindan ideas. Aquello viene a mi mente mientras duermo, al tener una resaca o cuando platico con amigos. Para mis bocetos uso carboncillo, plumón fino o marcadores y los acabo en mi computadora”.

Página: http://www.diffuseartwork.com/

Boicut es un artista joven viviendo y trabajando en Viena. Su trabajo es muy ilustrativo y combina líneas impulsivas con una gama de colores apastelados. Basándose en un concepto, su mayor objetivo es alcanzar el balance perfecto entre las diferentes formas/figuras. Hasta ahora ha expuesto en ciudades como Berlín, Londres, Miami, Luxemburgo, Munich y, por supuesto, en repetidas ocasiones en Viena. Ha trabajado para marcas como Nitro Snowboards, Absolut, Jameson, Remington, Vans, Paul Frank, Levis, KangaRoos, Hennessy, Samsung y Converse, entre otros.

Página: http://www.boicut.com/

Markus Tozzer es un pintor viviendo y trabajando en Viena. Después de haber estudiado artes plásticas en la Universidad de Artes Aplicadas se concentró en crear música y en pintar, mientras conformaba una agencia creativa con sus amigos. Markus disfruta ensamblar imágenes digitales, hechas de fotografías e ilustraciones encontradas en internet, así como el animar dibujos digitales. En sus composiciones, emergen paisajes y partes del cuerpo humano que fueron acomodadas y modificadas a modo de una pintura, sobreponiendo capas sobre capas.

Sus trabajos en pintura son motivados por desafíos personales y preguntas básicas de su condición humana. Al contrario de sus trabajos en pintura, usa el medio digital para experimentar y rendir homenaje a obras así como a temas más casuales empleados también en la cultura pop, sin tener miedo en caer en lo tonto o ilógico.

Página de FB: https://www.facebook.com/pages/Markus-Tozzers-Artwork

Nita “Soy una diseñadora gráfica basada en Viena, con pasión por el detalle, por comer piñas diariamente y por el “drab paper”. Desde principios de 2014 dirijo mi pequeño estudio en Viena. Aparte de eso, me apasiona hacer ilustraciones y visuales. Si el mundo no cabe en mi cabeza, lo reconstruyo y a veces me pierdo en un bosque de capas. Mi deseo es diseñar en diferentes superficies, sin ser superficial”.

Página: http://www.studionita.at/

Peter Phobia es un artista/ilustrador viviendo y trabajando en Viena. A parte de estudiar Diseño Gráfico en la Universidad de Artes Aplicadas, es un jugador de golf apasionado, tiene una obsesión por escribir listas, le encantan los plátanos y lleva consigo su libreta de bocetos a donde sea que vaya. Peter es un coleccionista de momentos absurdos de la vida cotidiana, los cuales le sirven después como fuente de inspiración para su trabajo.

Página: http://peterphobia.com/

Sabine Galdberger es una artista gráfica nacida en Baja Austria. Su obra describe un análisis de la multifacética complejidad de los seres humanos. La investigación operacional muestra problemas de los procesos psicológicos y fisiológicos de la condición humana. La temática de sus proyectos genera alegorías de las privaciones y conflictos de nuestro cuerpo. La estética de las figuras muta de la fragilidad de la piel a la prisión de la vestimenta. La problemática de perderse y reconstruirse a uno mismo es parte central de sus obras y capta momentos de debilidad entre una falta de identidad y un nuevo contexto con disueltos fragmentos de abstracción.

Página: http://sabinegaldberger.com/

Marionetas contemporáneas: de Puebla a Cannes.

La artista poblana Susy López realizó en meses recientes una estancia en el taller de marionetas contemporáneas del alemán Frank Soehnle, reconocido como uno de los intérpretes y maestros más importantes de su disciplina. Con el apoyo de la Comisión para América Latina de la UNIMA (Unión internacional de la marioneta), la estancia de López en el taller de Soehnle dio como resultado, además del aprendizaje, un artículo publicado en el boletín electrónico La hoja del titiritero para Iberoamérica, y en la revista francesa Le 9 du mois.

A continuación reproducimos de manera íntegra este texto, con permiso de su autora, con fotografías también cortesía de la autoría. 

Frank Soehnle en Arketal*

Cannes, Rue de l’Impasse, 4, altos. Un inmenso atelier lleno, no sólo de encanto, sino de vida. Títeres de distintas obras y épocas, producto de la búsqueda estética y escénica que Greta Bruggeman y Sylvie Osman realizan desde hace décadas. Y aunque cada proyecto va de la mano con la plástica de algún pintor, como Fernand Léger, Théo Tobiasse, Marius Rech, Rolf Ball, Martin Jarrie, Wozniak, Mâkhi Xenakis, hay un velo sutil que cubre cada uno de esos muñecos y denota el estilo único de la maestra Greta.

Se trata de un encuentro buscado por años, desde que en el Festival de Títeres de Charleville-Mezières 2009 entré en contacto con el trabajo de Arketal (Francia) y del Figuren Theater Tübingen (Alemania), compañías que son un referente en el teatro de títeres contemporáneo y que tuvieron gran influencia en mí, para intensificar mi trabajo de manipulación y crear la compañía mexicana Susy López-Títeres.

Y ahora, ¡Frank Soehnle estaba impartiendo en el atelier de Arketal un taller de marionetas contemporáneas! Imposible perdérselo. Incluso hay una titiritera que vino de China a tomar este taller. Así que el entusiasmo se desborda desde un principio, alimentado con la simpatía del maestro alemán que ha recorrido el mundo con su arte que da vida a la materia. Y no podría ser más oportuna la frase, pues pasta, pegamento, madera, telas, hilos, los materiales de siempre se transforman en personajes fantasmagóricos, surreales y sobrehumanos… Los dedos de los pupilos modelan los rostros delgados y expresivos que caracterizan el estilo del Figuren Theater. Se cose ropa, se cortan varillas, se articulan las largas extremidades  de los personajes que pueden hacer todo aquello que está negado al actor. Pero las crucetas, las proporciones, los cuerpos, los objetivos, no son ordinarios. La construcción está ligada a una animación sui géneris, que exige un trabajo delicado y virtuoso del intérprete-marionetista. Y sin embargo, volvemos a la materia, pues es ésta quien define los movimientos posibles para el títere, y por ende, su personalidad. Por eso estamos aquí, observando, probando, intentando absorber de Frank Soehnle todo lo posible.

López en el atelier

Por supuesto, hace falta una maestría como la de Frank para llevar a la escena espectáculos como Con las alas inmensas, basado en la obra de Gabriel García Márquez, con marionetas, máscaras, objetos, actores. Y pregunto: ¿cómo se fue depurando esta estética refinada y poderosa del Figuren Theater?

-Siempre he estado más próximo a la escultura y al movimiento, que al texto y la actuación. La escultura, o más precisamente, una relación con la materia, en el sentido de una composición, muchas veces es el punto de inicio para un nuevo espectáculo. Dos modelos diferentes han evolucionado a partir de la fase de investigación en el Figuren Theater Tübingen. Uno de ellos involucra el uso de una fuente literaria clásica, y es un intento de trasladar la narrativa a una experiencia sensorial-espacial. La otra se desarrolla directamente a partir del material o la figura, y de inicio se opone radicalmente a las constricciones de cualquier narrativa existente. Es la búsqueda de la mayor libertad posible para la figura y el desarrollo de su potencial escénico, sin las restricciones de ningún patrón o limitante. Los resultados pueden describirse mejor en términos de composición: teatro visual o como coreografía. De cualquier forma la trama a veces sí se desarrolla dentro de una historia clásica. Con frecuencia he experimentado que la selección del material fue la decisión más importante de todo el proceso de producción. La selección del material puede ser lo mismo que la elección del tema. Quizá este trabajo serio en la relación de tema y estética, es lo que crea la impresión de poder o pureza en las imágenes.

-¿Para ti, cuál es la parte más difícil dentro de la creación?

-Cerrar el círculo. Significa que todos los elementos cuadran unos con otros y producen una atmósfera clara, con todos los elementos relacionados entre sí (música, texto, movimiento, material, títeres, luces, vestuario, máscaras… y la historia o tema mismo).

-¿En qué momento decides compartir tu conocimiento a través de los talleres?

-Nunca fue una decisión de mi parte. Me preguntaron desde épocas tempranas si me gustaría dar talleres y siempre traté de involucrarlos con mi trabajo artístico. Tal vez el hecho de que todos mis montajes son el resultado de un trabajo en equipo entre artistas de diferentes profesiones y bagajes, lo hizo más similar a mi trabajo cotidiano. Ya estaba acostumbrado a compartir todo tipo de conocimiento y a la experimentación con otros. Esto aún es un punto interesante para mí: el descubrir nuevos elementos en tu propio trabajo, reflejar de nuevo –vía los otros- lo que está bien y el por qué.

-¿A qué crees que se deba el auge de los títeres para adultos en Europa? ¿Alguna sugerencia para los titiriteros de Latinoamérica?

-Cuando yo iba a ver espectáculos de títeres para adultos hace 20 años en Alemania, los teatros estaban casi vacíos. Era un trabajo duro –y aún lo es- el dar a la audiencia la posibilidad de descubrir el arte de los títeres. Recuerdo que los festivales internacionales fueron importantes para lograrlo. Han tenido mucha prensa e interés mediático, y han presentado a las mejores compañías de teatro en el mundo. Otro paso importante fue la creación de la escuela de títeres, para trabajar en un entrenamiento profesional para titiriteros y directores. Y la colaboración con el teatro de actores, compañías de ópera y de danza, ha sido un paso muy importante para presentar al público y a los colegas de la escena, el amplio rango de expresión que tienen los títeres y los objetos.

A pesar de ser un taller largo, el tiempo corre en la región francesa de los Alpes Marítimos. Y las actividades de Arketal, en el marco de la Semana de la Marioneta, no acaban y se empalman con parte del atelier. El día que no hay entrevista, hay visita de la televisión, o presentación de obra –por cierto, gran acierto el montaje de “Cont d’hiver” de Shakespeare con títeres y actores de la ERAC (Ecole Régionale d’Acteurs de Cannes), bajo la dirección de la maestra Sylvie Osman. O un evento de mayor permanencia, como la Exposición de Marionetas de Arketal, que tuvo lugar el primer fin de semana en el Espace Culturel de Mougins… Y así, desde las municipalidades encargadas de llevar a los niños a las funciones de Arketal, hasta las presentaciones de dicha compañía en el Teatro Nacional de Niza, o su próximo evento en el Fort Antoine de Mónaco, el trabajo de las maestras Bruggeman y Osman parece que nunca se acaba. “Todo el año, aparte del trabajo creativo y escénico hay gestiones que realizar; proyectos, convocatorias, programaciones… Afortunadamente contamos con un equipo sólido y el respaldo de las instituciones culturales en distintos niveles, pero no ha sido fácil. Son ya 31 años de trabajo ininterrumpido”, me cuenta Greta.

Materiales en proceso

Su comentario da pie a más de mis preguntas:

-La labor de los maestros siempre me ha parecido de lo más generoso. ¿Que significa para ti este Atelier?

-Desde la creación del Atelier de Arketal en 2002, casi 100 talleres han tenido lugar aquí, con estudiantes de todas las edades, niveles y naciones: Turquía, Líbano, Finlandia, España, Haití, Grecia, etc. A mis ojos, estas formaciones representan mucho más que la transmisión de un conocimiento técnico. La figura-marioneta es ante todo un vasto territorio de expresión dentro del cual muchas artes se interrelacionan. Para explorarlas e inventar así nuevas formas, se invita a los cursillistas a desarrollar un espíritu artístico y artesano a la vez.

La visita de Frank Soehnle este año es una primicia. Conozco su trabajo desde hace mucho tiempo a través de sus espectáculos. Es un gran creador de marionetas de hilos contemporáneas, y una excelente pedagogo. Su trabajo de construcción se basa en las técnicas de H. Bross, investigador del equilibrio al servicio de la estética. Así, los cursillistas construyen muchos personajes y aprenden a manipularlos a través de diferentes ejercicios. Es un verdadero laboratorio teatral con marionetas.

-¿Los alumnos te nutren?

-Durante las pasantías opera una mística de compartir los conocimientos que, más allá de la simple transmisión de técnicas y de experiencia, permite un verdadero intercambio. De la sensibilidad y el savoir-faire de cada participante nacen diferentes universos.

-¿Cómo surge cada nuevo proyecto?

- Los proyectos se preparan año con año, a raíz de los encuentros o de temas. Para el año 2016, estamos preparando las formaciones en torno a la narrativa e imágenes del Medio Oriente y el Mediterráneo. Habrá teatro de papel en torno de la figura popular de Nasreddine, animado por Nargess Majd; construcción de títeres inspirados en pinturas y textos contemporáneos, impartido por Emilie Flacher; teatro de sombras en torno a los cuentos de Las Mil y una Noches con Jean-Pierre Lescot. Y luego Thomas Lundqvist vendrá a construir en madera títeres bunraku.

-¡Excelente! Habrá que buscar la ocasión de regresar… En tu opinión, ¿qué hace falta para mejorar la calidad de los creadores e intérpretes del teatro de títeres?

-Un espectáculo de títeres se compone de diferentes partes, dentro de las cuales la calidad debe tener un equilibrio artístico. La base es la escritura, la dramaturgia, con o sin texto. Si estas bases no están presentes, es muy difícil construir las secuencias, la escenografía, las figuras, la interpretación. Los titiriteros deben interesarse en estar cerca de y colaborar con los autores y los artistas plásticos para realizar sus proyectos.

No puedo menos que decir chapeau y quitarme el sombrero, por las oportunidades que hay en la vida, y sobre todo, agradecer la generosidad y simpatía de Greta, gracias a quien me es posible compartirles ahora esta experiencia. Y gracias también a Susanita Freyre, Coordinadora de la Unión Internacional de la Marioneta para América Latina, cuya labor siempre beneficia a los titiriteros de este lado del mar.

¡Vivan los títeres!

A la izquierda, Susy López; al centro Frank Soehnle.

Susy López Pérez, Cannes, abril de 2015.

Susy López Pérez es actriz, titiritera y productora, egresada de la Escuela Latinoamericana del Arte del Títere (México). Fundó la compañía “Susy López-Títeres” y cuenta con una sala teatral en Puebla, donde se presenta, además de los teatros del Instituto Nacional de Bellas Artes o la Muestra Nacional de Teatro en México, entre otros. Ha coproducido espectáculos con Teatro para Niños y Jóvenes de la Coordinación Nacional de Teatro, y se ha presentado en numerosos festivales de México y el extranjero (Canadá, Argentina, Costa Rica, Francia, Cuba, Israel). Becaria INBA, FOESCAP y del Centro Cultural de España en México, condujo durante 7 años el programa cultural infantil “Rehilete”. Es docente y traductora de técnica vocal hablada. Sus espectáculos procuran difundir el arte de los títeres, así como el respeto a la inteligencia y sensibilidad del público adulto e infantil.

"Migración y desplazamientos: territorios encontrados" en la Alianza Francesa de Puebla

Proyecciones, páneles de discusión y música es la propuesta de la Alianza Francesa de Puebla (AFP) para conmemorar la relación entre México y Francia en este mes de mayo. Arrancando hoy, 18 de mayo, la institución con sede en la 2 Sur 4920, en la colonia San Baltazar, invita a reflexionar sobre la migración al interior y entre ambas naciones con el ciclo titulado Migración y desplazamientos: territorios encontrados, todo con entrada libre.

Para hoy, la AFP propone la proyección del documental poblano Remi Rockercoatl de Óscar Flores, a las 5:30p.m. y a las 7 de la noche la función del largometraje franco-italiano 3 segundos y 5 minutos de Pasquale Calone y el cual es la primera parte de una trilogía sobre urbanismo y metrópolis en el siglo XXI cuya segunda entrega se prepara actualemente en una junta auxiliar de la Angelópolis. 

Para mañana martes 19 de mayo, la invitación es a la mesa de diálogo Territorios encontrados, reflexiones sobre migración y desplazamiento que contará con la participación de la filósofa española María Mont, la documentalista poblana Erika Mercado y el gestor y periodista cultural poblano Alonso Pérez Fragua. La cita es a las 7 p.m.

Para finalizar el 22 de mayo, un coctel y fiesta con DJ Bombardier a partir de las 6 de la tarde. Mayores informes en las redes sociales de la AFP o en su página www.alianzafrancesa.org.mx/Puebla.

Talento poblano en el Festival de Morelia

El documental poblano La danza del hipocampo sigue su exitosa gira por certámenes nacionales. Este domingo 20 de octubre arranca su presencia en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), uno de los más importantes –si no el más importante- de los encuentros de la industria cinematográfica en nuestro país.

Luego de que su directora, Gabriela Domínguez Ruvalcaba, obtuviera una beca para asistir al Seminario Robert Flaherty en Nueva York en reconocimiento a este trabajo en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), donde tuvo su estreno mundial en marzo de esta año, La danza del hipocampo se alzó como Mejor Largometraje Documental Mexicano en el Festival Internacional de Cine de Monterrey. Y ahora va por Morelia, donde su productora, Erika Mercado Sánchez ganó hace algunos años el premio a Mejor Cortometraje Documental por Bendita muerte, su trabajo de tesis de licenciatura en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP); el galardón lo compartió en aquella ocasión con los también egresados Alejandro Jiménez Arrazquito y Mario Trueba.

Como Gabriela y Erika comentaron en su momento en el programa de Radio BUAP Así lo dijoDuchamp, este documental versa sobre la memoria y cómo la construimos. Cómo también, a partir de esta memoria, cada uno de nosotros somos quienes somos. A través de siete recuerdos que Gabriela reconstruye con material registrado por su familia –tanto en cine como en video- su trabajo nos invita a un viaje lleno de belleza contemplativa, plagado de una poesía visual y oral que se agradece y que hace sobresaltar al corazón.

Le deseamos todo el éxito a estas realizadoras poblanas y confiamos en que pronto La danza del hipocampo tenga su estreno comercial en México y llegue a las salas de Puebla.

Para más información, aquí el boletín de prensa más reciente en el que podrán conocer más detalles de su presencia en el FICM.

Gabo: cero y van dos / De clichés literarios

Por segunda ocasión una muerte saca de su letargo a este blog. La vida continúa, sin duda. 

Soy un cliché andante: lo sé. No obstante lo diré: Cien años de soledad es mi libro favorito y Gabriel García Márquez uno de los autores que más disfruto y admiro. Crónica de una muerte anunciada es el libro que más rápido he leído, cautivado de principio a fin por su ritmo, el cual no me permitió dormir hasta que alcancé la última página. 

El otoño del patriarca, por otro lado, me rebasó. Sus párrafos de tres cuartillas, sin puntos y con comas casi ausentes, me dejaron sin aliento y me impidieron terminarlo; mientras que en Doce cuentos peregrinos descubrí un universo fuera de Macondo y esa América Latina realísticamente mágica que también me cautivó con relatos que me dejaron sin aliento como Solo vine a hablar por teléfono o El verano de la Sra. Forbes.

Cien años de soledad: Herencia de mi abuela materna.
Editorial Sudamericana,1971.

Del cliché que me salvo es de aquel en el que el individuo expresa que por tal o cual libro o autor, nacieron sus ganas de convertirse en escritor. No: mi cliché es aún más raro e igual de lejano. Fue por Cien años de soledad que en algún momento expresé mi deseo de convertirme en director de cine. Al sumergirme en la historia de la familia Buendía, la idea que me asaltó durante toda la lectura fue el de llevar esa historia a la pantalla. Al terminar, la película sobre Macondo se convirtió en mini-serie: solo en un mínimo de 45 horas se podría condensar la genialidad de Gabo vertida en ese, uno de los más grandes libros jamás escrito.

Y aunque no soy escritor ni director de cine, creo firmemente que Cien años de soledad sí se puede adaptar a la pantalla. Sería un esfuerzo titánico, que necesitaría romper muchos obstáculos pero estoy seguro que valdría la pena. Y mientras llega ese día, aquí algo que escribí en 2003, que presentó sin ahora retoques, tal cual mis 20 años de vida dieron forma en aquel momento.

Gabo

Remedios La Bella se elevó hacia los cielos en una tarde de setiembre, envuelta en una hojarasca de luz y mariposas amarillas que enmarcaban su grandiosa hermosura virginal, ante la mirada atónita de la Señora Forbes y el Sumo Pontífice, quienes en ese caluroso día de verano asistían a los funerales de la Mamá Grande, soberana absoluta del reino de Macondo y Riohacha. 

El Coronel, ensimismado en sus recuerdos laberínticos, se detuvo a observar la escena de la ascensión de Remedios La Bella, la cual le recordó la tarde remota en que su padre lo llevó a conocer al Patriarca, un anciano cadavérico y otoñal que rodeado de aroma a ají, mariposas y alacranes, parecía anunciar la muerte de todo aquel que se atreviese a mirar en sus ojos de perro azul. Al mismo tiempo, recordó que nunca se había sentido tan cautivado por belleza femenina terrenal, desde que vio la caravana itinerante que transportaba a la Cándida Eréndira, quien con sus teticas de perra y su olor a guayaba, prometía curar los golondrinos encarnados y las fiebres amazónicas del amor. Pero lo que más desconcertó al Coronel fue la imagen fugaz de su abuela desalmada, quien de pequeño le contaba la increíble y triste historia de una virgen perpetua que vivía en un pueblo donde no había ladrones y cuyo larguísimo cabello infinito cepillaba cada noche en la cama con la intención de atrasar a los viajantes que se hospedaban en su casa de blancas paredes de cal y ventanas monumentales, con la esperanza dormida de que alguno de esos forasteros de espaldas colosales la liberara de la vaina de ese infierno de repeticiones que significaban la siesta del martes y el día después del sábado y, sobre todo, la espera de la carta eterna de un prometido al que no conocía y al que no podía destinar otro sentimiento que el de odio.

Agotado por tantos recuerdos, el Coronel dirigió sus endebles pasos al café donde lo aguardaba Aureliano Babilonia Buendía, su concupiscente e inseparable compañero de ajedrez quien le había salvado la vida al marcarle en el pecho el único lugar por el que una bala suicida, disparada en la ciudad de los espejos, entrara y saliera sin tocar un solo órgano vital y quien, en otra vida, había dedicado su inútil existencia a descifrar el origen de su propia presencia en este mundo de engaños y desengaños a través de una serie de manuscritos que le fueron entregados por una suerte de ciclón bíblico que lo arrancó de la guerra interminable que sostenía contra el insomnio y la angustia inamovible de despertar un día y descubrir que las estirpes condenadas a cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra.

Una vez en el café, el Coronel se acomodó en su butaca favorita y se dispuso a leer el pasquín subversivo de moda, hasta que el alboroto causado por la noticia de la ascensión lo obligó a suspender sus planes y le causó, ahora sí, un estado de nostalgia absoluto acompañado por un llanto seco y silencioso que duraría 40 días con sus respectivas noches. Mientras el Coronel se sumía en aquel estado febril que eventualmente le provocaría la muerte prematura a la edad de 111 años, Aureliano Babilonia Buendía se entretenía apostando en la pelea de gallos que se celebraba a la entrada del establecimiento y la cual le haría perder toda su fortuna consistente en un reloj de oro que le fue otorgado en premio a su valentía en la batalla frente a Sir Francis Drake; el primer telegrama enviado en el país, cuyo remitente había sido el cardenal y dirigido a su amante disoluta; y una foto de la propia tatarabuela de Aureliano, Úrsula Iguarán, la mujer más famosa y respetada de Macondo y responsable de un alma en pena, la fundación de un pueblo, un castaño atado a un marido demente y una prole destinada al olvido, la perdición y el pecado. Cabizbajo y meditabundo, Aureliano entró en el café y se aproximó al Coronel para comunicarle la pérdida del patrimonio compartido. El Coronel, sacado tan sólo un instante de su propio sufrimiento no alcanzó a comprender la magnitud de las palabras de su compañero pero atinó a decir simplemente: “Mierda”.

Texto original publicado en la comunidad loscuentos.net

Recordando a José Emilio Pacheco (2)

Me acuerdo, no me acuerdo: ¿qué año era aquel? Debió ser 1939, un 30 de julio, en la Ciudad de México, cuando la luz de José Emilio Pacheco se encendió. Ya había PRM pero no PRI ni PAN. Habría, años más tardes, suplementos culturales, como Estaciones, donde fue director junto con Monsiváis. 

 

Chilango de la generación del cincuenta, escribió sobre otras latitudes, otros tiempos, como en Pompeya:

 
La tempestad de fuego nos sorprendió en el acto de la fornicación
No fuimos muertos por el río de lava.
Nos ahogaron los gases; la ceniza
nos sirvió de sudario.
Nuestros cuerpos
continuaron unidos en la roca:
petrificado espasmo interminable.
 

Era sencillo, honesto, humilde. Discreto. Cultivó la narrativa y la traducción, lo mismo que la poesía; todo con una firme convicción y amor. A diferencia de muchos, siempre vio al mundo desde el punto de vista de las víctimas. 

 
Los halcones son águilas domesticables.
Son perros 
de aquellos lobos.
Son bestias de una cruenta servidumbre.
Viven para la muerte.
Su vocación es dar la muerte.
Son los preservadores de la muerte
y la inmovilidad.
Los halcones: verdugos, policías.
Con su sadismo y servilismo ganan
una triste bazofia compensando
nuestra impotente envidia por la alas.
 

"Este no es un poema político. Lo juro", dijo en 2009 en Puebla. "Lo escribí en 1968, pero cómo iba a saber que en 1971 se convertiría en realidad. En serio". En cualquier caso, ahí queda, para la posteridad, Biología del halcón. Y quedan también decenas y decenas de libros suyos, bellos, imperdibles, imprescindibles. Quedan asimismo los elogios y reconocimientos a su obra, como el Premio José Donoso, el Octavio Paz, el Pablo Neruda, el Internacional Alfonso Reyes, el Xavier Villaurrutia, el García Lorca, y el Premio Cervantes.

 

Queda un gran vacío en las Letras Mexicanas desde el domingo 25 de enero pasado en que tu luz se extinguió, José Emilio Pacheco.

Pacheco en ITESM CCM.
Fuente: ITESM CCM (Creative Commons).

Recordando a José Emilio Pacheco

Solo recorreré uno de los dos posibles lugares comunes que se vislumbran hoy. No diré que José Emilio Pacheco es "mi escritor favorito de todos los tiempos". Lo que sí escribo con toda verdad es que Batallas en el desierto es un libro que marcó mi vida; que su lectura es imprescindible para los amante de las buenas letras de México (y del mundo); para el que guste de perderse en los laberintos de la nostalgia.

En ese espíritu de honestidad, confesaré que, además de la historia de Carlos y sus reminiscencias de una Ciudad de México que ya no es, solo he leído otro texto del hoy desaparecido: Morirás lejos. Y añado además que su poesía la descubrí tarde, en un día preciso de 2009 en que tuve la fortuna de conocerlo, de lejos, en papel de reportero, en un homenaje por sus 70 años de vida, "entre elogios y risas", en el Tec de Monterrey, campus Puebla.

"Yo veo el mundo desde el punto de vista de las víctimas", sentenció el vate

Entre elogios y risas, vivió José Emilio Pacheco un homenaje más a sus 70 años

La Jornada de Oriente, viernes 17 de abril de 2009.

La emotividad contenida en la voz de José Emilio Pacheco llena el auditorio. Con cada poema sucede lo mismo. Luego de un par de líneas, el escritor interrumpe su lectura para perderse en la nostalgia de su mente, en los recuerdos de un mundo que ya no es y en las reminiscencias de momentos e imágenes que inspiraron sus palabras. "No los expliques. Se entiende solos perfectamente", regaña por enésima ocasión el crítico Emmanuel Carvallo al autor de Morirás lejos, arrancando, una vez más, las risas del público que disfruta la charla de dos grandes de las letras mexicanas.

A 70 años de su nacimiento, Pacheco, el "discreto, sabio y un poco triste", como lo describiera Carvallo hace unos años, recibe un homenaje más por su labor incansable en la literatura de nuestro país. Esta vez el miércoles 15 de abril en el Tec de Monterrey campus Puebla, entre los elogios y admiración de escritores, amigos y lectores de todas las edades.

Devorador de la poesía de los grandes, como Villaurrutia y Paz, y escritor desde hace un año, el pequeño considera que Pacheco es el mejor. "Me gustan sus sentimientos y la intensidad que les da", comenta mientras espera en la fila, junto con decenas de fanáticos, para que su ídolo firme una copia de Gotas de lluvia y otros poemas para niños y jóvenes. Mi favorito es El monólogo del mono", continúa el joven vate.

El resto de la crónica, pinchando aquí.